我们活在一个世界里，每一个刺激、每一笔数据，都以同样无休止的高解析度涌现眼前。只要一味追逐演算法推送到你面前的所有事物，内在就再也没有空间被看见。SAN SAN Gear 2027 春夏系列正是从这样的张力出发。当其他人都在往「更高清」狂奔时，这个以 Seoul 为基地的品牌反其道而行：将本季命名为「Soft Focus」，以服装细致拆解「刻意把画面变得模糊」这件事。

自 2019 年从 Seoul 一间小型工作室起步以来，SAN SAN Gear 已经登陆 Paris、Tokyo、London，却始终不为流行风向所左右——以服装建立独立观点，而不是追逐版型或图像，这种姿态在国际舞台上获得相当好的回响。于 Paris Fashion Week 期间，品牌在专属展间里，透过布料正反面错置的细节，以及遍布空间的类比自动机械雕塑，完整演绎本季主题。我们也与总监 Lee Sang-yeop 深谈——在他眼中，话题从来不是重点，每一季都被视为品牌的「第一季」。

你们在 2019 年以 Seoul 一间小型工作室为起点，自 2024 年 1 月起更在 Paris 季季发表系列。如今面对全球买手与媒体，是什么样的心情？
我们在 2019 年创立时，并没有什么远大的蓝图——唯一的问题只是「怎样撑到下一季」。我们只是持续做自己相信的衣服，把它们推向世界，而不知不觉就走到了今天。虽然我每一季都来 Paris，但老实说，这里从来没有变得「习惯」。这是一个来自世界各地的品牌都会在同一标准下被检验的地方，单靠声势或话题是撑不了多久的。最终留下来的，只有衣服本身，以及品牌真正拥有的原创性。对我来说，Paris 不是一个值得庆祝的舞台，而是一个冷静而清醒的试场，去检验我们在 Seoul 季复一季累积起来的感性，是否能在跨过语言与国界后依然站得住脚。我感受到每一季都有更多人理解我们在做的事，这让人稍微松一口气，但我也刻意不让自己被这种感觉冲昏头。每一季对我来说都依然像是第一步，而我相信，一旦失去那种锐利感，就是 SAN SAN Gear 的轮廓开始变得模糊的时候。

你们目前进驻 Japan 的 GR8、UK 的 GOODHOOD 等选物店。你认为，国际买手眼中对 SAN SAN Gear 而言的新鲜感，是哪些韩国顾客早就懂得并喜欢的特质？
买手们经常对我说的是同一句话：衣服兼具机能却不冰冷，也带有街头气息却不轻佻。老实说，我不认为一件印花 T-shirt 或 hoodie 的轮廓，才是「street」品牌的定义。对我而言，「street」与其说是衣服的形状，不如说是一种清晰鲜明的世界观看法。我们不照教科书走，而是把服装当成一个嵌在自我世界观里的档案。我想，这种做法本身，就是能在海外产生共鸣的原因。对我们来说，最好的称赞是：有人在再熟悉不过的品类里，看见一个他真心从未见过的细节。

本季主题是「Soft Focus」，其中一句「这个世界要求万事万物都必须高清锐利」特别耐人寻味。这个概念，是否源自某个个人的时刻或体会？
现代人清醒的每一个小时，都被远超出自己负荷的资讯与刺激淹没。我们被要求去看什么、对什么做出反应、用数字证明什么——这一切都以同样锐利的高清画质出现在眼前。演算法不断把新的东西推到我们面前，而我们只好把全部心力拿去追赶，最后根本没有余裕回头看自己。但我发现，你越是想让所有事都维持在极度清晰的对焦状态，真正重要的东西反而会变得越模糊。所以我开始想，也许我们需要的是「都看见」，但刻意让其中一部分保持失焦——也就是自己决定什么值得被看清，什么可以选择模糊。这并不是把世界关在门外，而比较像是：明明就在视线之内，却选择让它维持模糊、任其滑过。一旦把那部分「专注」退开一点，才会真正出现让人喘口气的缝隙，也才有空间容纳真正的自己。「Soft Focus」，就是我们把这种想法转译成服装之后的结果。

你们替本季设定的形象人物，是那种在通勤回家的大众运输上读书，或是下班后出门看现场演出的人。你想像他们穿上 SAN SAN Gear 之后，会度过怎样的一天？
我想像的是一个在冰冷又日复一日重复的城市里，依然坚持自己步调与品味的人。即使身处拥挤、噪音不绝于耳的地铁车厢，仍然打开书本阅读；或是下班后去看最喜欢的艺术家演出，把自己完整交给那段时间。他们不会把所有袭来的刺激一一吸收，而是刻意让部分讯号保持失焦、任其滑过，好把注意力留给真正重要的事物。我希望 SAN SAN Gear 能在那个瞬间，成为一层柔软却可靠的防护，替这样的人挡掉外界的噪音。那一天不必有什么戏剧性情节——只要这套衣服能守护他们以自己方式度过的一个平凡日常，就已经足够。

这一季把布料正反面颠倒运用的细节非常吸睛，开发这个设计时，你和设计团队之间经历了哪些讨论？
当我们在思考如何把「Soft Focus」落实成具体的单品时，最后抓到的关键是：一件衣服的表面必须是俐落清晰的，同时在内层藏着更粗糙、模糊的本质，这个主题才算成立。颠倒、混用布料正反面的想法，就是在这样的前提下长出来的。随着讨论推进，它又进一步演变成：把图案印在 T-shirt 的内侧，让设计只以刻意朦胧的痕迹渗透到外面。与其把锐利的图像堂而皇之放在正面中央，我们选择让干净的画面留在里面，外面只剩下一道残影。那几乎像是只有穿着者自己知道的东西——或者是路过的人，在回神之后才察觉到的细节。我觉得这正是服装最精准捕捉到本季主题的地方：没有任何东西是一眼就能读尽的。

你们本季也与德国艺术家 Clemens Fischer 合作，在展间展示类比自动机械作品。这样的合作是如何促成？又希望它在空间里产生什么效果？
我一直对那种只有类比系统才有、数位无法复制的钝重机械运动特别着迷。当我看到 Clemens Fischer 的作品时，就很确信那正好对应到我们想要营造的 analog 氛围。我主动去联系他，分享品牌的理念，以及本季「刻意模糊」的概念，而他也很快产生共鸣，于是这次合作便顺理成章成形了。当那些齿轮和弹簧在俐落、现代感十足的 Paris 展间中央，以略显笨拙的机械方式转动时，它们就像替这个高解析世界轻轻踩下了一段煞车。被冷调、功能性的服装包围之中，这些作品为空间带来一点人味与视觉上的裂缝——也让整个系列想传达的讯息，慢下来一拍。

在拿捏功能性与日常感之间的平衡时，SAN SAN Gear 有哪一条绝不会跨越的界线？
与其说我们有什么明文规则，不如说「坚持自己的世界观」就是唯一的标准。我们不会因为 gorpcore 正流行，就突然把自己做成登山品牌；也不会因为某个风格退烧，就轻易丢掉自己的身份。就连功能与休闲的拿捏，也不是用比例在计算，而是看我们能不能把自己的视角维持完整。我们可以做一件看起来再普通不过的 hoodie，却用完全不同的方式去看待、去扭转它。不过分严肃，也不流于随便——维持在那个介于松弛与紧绷之间的状态，其实就是我们唯一在守的那条线。

最后一题：你想对第一次透过 Paris 展间认识 SAN SAN Gear 的全球观众，以及一直关注你们动向的韩国支持者，分别说些什么？
对第一次在 Paris 与我们相遇的全球观众来说，我希望 SAN SAN Gear 能被记住为一个代表 Korean fashion 的品牌，同时也能透过我们自己的视角与文化被阅读。至于一路以来给予我们——甚至可能超出我们所能承受程度——支持的本土观众，即使未来我们持续向 Tokyo、Shanghai、Paris 以及更多城市扩展，品牌在服装与文化层面上最核心的真实性都不会改变。也希望大家能持续带着关注与兴趣，看这这个世界观如何被慢慢推展出去。