《Roy Lichtenstein: Like New》絕非上一代所認知的波普藝術

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我们无法忽视这个事实：Roy Lichtenstein 无处不在。从构成屏幕影像的像素，到当今顶尖创作者粗犷大胆的线条，以至泪流满面的女主角那一瞬特写，他的影响力几乎无可动摇。这种冲击迅速而直接。但他那家传户晓的漫画与圆点标志，究竟是如何掩盖了背后更为复杂的故事？

「仅仅因为我们能认出某事物，并不代表我们完全理解它，」《Roy Lichtenstein: Like New》策展人之一 Meg Onli 说道。这场展览将于 10 月 11 日在 New York 的 Whitney Museum 开幕，汇集了这位波普艺术大师超过 130 件作品，包括绘画、素描、拼贴画、版画和雕塑，涵盖了 Lichtenstein 长达 60 年的职业生涯。虽然展览中有大量受漫画启发的画作，但它也发掘了鲜为人知的线索，展现了艺术家自我认知的模样，以及他当时对高低艺术的激进热爱，如何巧妙契合当今观众热衷于屏幕的现实。

从 Ohio State University 的 Hoyt Sherman 严肃且极其奇特的教学（后来证明这对 Lichtenstein 关于标记的观点具有深远影响），到他生命最后一年创作的作品，甚至延伸至楼上 1997 年的展览，《Like New》聚焦于这位深谙影像未来发展，并巧妙欣赏意义不断建构与解构的艺术家。展览开端长达近 100 尺的「Greene Street Mural」（1983）重制版（这是由共同策展人兼艺术家 Alex Da Corte 工作室重制的四幅壁画之一），恰如其分地奠定了展览基调。

其中一个历史亮点是一趟重返 Lichtenstein 时代的 New York 之旅：以「画廊中的画廊」形式，重现了艺术家于 1962 年在 Leo Castelli 画廊举行的首次个展。这是所有作品自那时以来的首次重聚，甚至包括最初由 Andy Warhol 拥有的「Laughing Cat」（1961）。接着是他最著名的女主角系列——「Drowning Girl」（1963）、「Crying Girl」（1963）和「Girl in Window (Study for World’s Fair Mural)」（1963），后者更在室外露台上被放大至超乎现实的尺寸。在它们旁边的是几乎完全相同的复制品和来源，例如由 Lichtenstein 提供模板的 Elaine Sturtevant 复制品。他甚至在一幅 Raymond Pettibone 的画作上签名，仿佛那是真迹。比起单纯的复制，Lichtenstein 更热爱「复制的复制」——这种痴迷至今仍是我们当代转发文化，以及影像每次分享后所产生新关联的基础。

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「放慢你观看利希滕斯坦的方式，是我们从一开始就有的愿望。」——Alex Da Corte

他的笔触干净俐落，即使被误以为是机器制作也情有可原；然而，Lichtenstein 作品中丰富的概念性，往往被其精湛的技巧光芒所掩盖（如果对 Lichtenstein 的品牌影响力还有任何怀疑，不妨看看那件满布 Ben-Day 圆点的 Gap 抓毛绒外套）。对于这位以直接著称的艺术家，Da Corte 解释道：「从一开始，我们就渴望放慢大家欣赏 Lichtenstein 的方式。」「强调手工制作」是整个 Whitney 展览中不断回响的描述，当中也蕴含了将人与作品的关系人性化，并为这些笔触注入更多个性的期盼。

无可否认，Onli 和 Da Corte 在最初接手 《Like New》 时并非「波普艺术专家」。曾策划 Whitney 2024 双年展的 Onli 过去曾领导 Noah Davis 的 Underground Museum；而身为委内瑞拉裔美国概念艺术家及 2019 年 Venice Biennale 参展者的 Da Corte，则以其对美国流行文化具沉浸感、色彩饱满的诠释而闻名。但他们的经验能够迎合新一代艺术欣赏者，将 Lichtenstein 的实践置于前所未见的语境中。正如 Da Corte 在对街重新演绎的「Hot Dog」广告牌上加上那一抹时尚的茄汁，他们懂得如何迎合观众的品味，同时挑战我们以全新视角理解这位艺术家。在展览开幕前，Onli 和 Da Corte 为我们讲述了《Like New》中的众多圆点，以及如何将它们串联起来。

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你们各自独特的背景如何影响这次的策展方向？

Meg Onli：我们并非以波普艺术专家的身份来处理 Lichtenstein 的作品。我们各有侧重的领域，因此我们非常希望融入各自的个人经历与兴趣，借此以不同角度重新审视 Lichtenstein。

Alex Da Corte：身为一名经常在工作室积极创作的艺术家，我认为将 Roy 及其作品定位于他创作的当下并给予尊重，同时发掘他如何透过作品发声，是非常重要的一环。理解并引述他在创作时如何为作品赋予意义，成为了 Meg 与我策划这场展览的核心主轴。

策划像 Lichtenstein 这样无处不在的艺术家展览，当中有什么挑战？这又带来了什么机遇？

Da Corte：关于 Lichtenstein，最奇妙的是他无处不在。他的影响力环绕着我们，即使我们根本不知道眼前所见的事物可能出自他手。这正是筹备这场展览的挑战所在：他的作品直接、迅速、图像化且大胆。然而，正如我们所发现的，他围绕作品的理念却是非常缓慢、具概念性，坦白说甚至相当奇特。从一开始，我们就渴望放慢大家欣赏 Lichtenstein 的方式。

Onli：这确实为 Alex 和我创造了一个机会去回顾，并真正接触到那些在他自身或画布之外运作的核心事物。其中包括早期在 Ohio State University 的训练。他对科学概念深感兴趣；早在 65 年，他就开始谈论他的圆点与数据之间的关系。这并没有完全局限于我们在像他这样的艺术家身上一直看到的印刷叙事。

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「他的创作并不完全局限于我们一直以来对这类艺术家所认知的版画叙事。」——Meg Onli

这次经历中，有没有什么意想不到的线索或故事让你们特别产生共鸣？

Onli：这次展览与过往不同的地方，在于探讨他如何运用来源图像——有时出现于报纸、漫画书甚至艺术史书籍中——不仅将其放大至画布的尺寸，更真正展现出建筑层面的规模。整个展览共有 4 幅手绘壁画。这是 Alex 和我非常坚持要引入的元素，希望能为这次展览带来独特的体验。

Da Corte：延续这一点，Roy 的作品都是手工制作的，因此很多时候你看到这些作品的复制品时，它们都有着光泽的表面；你无法察觉其中大部分带有铅笔痕迹、擦痕和重写痕迹，这些都印证了他与作品创作之间的关系。对我来说，这是一个重大的发现，也仍然在教导我们关于创作，以及花时间在作品上的意义。

Lichtenstein 是如何塑造我们当代的影像世界，以及我们对待影像的方式？

Da Corte：我们以「Greene Street Mural」揭开展览序幕。Roy 于 1983 年所展示的这卷符号与影像，非常像我们在社交媒体上所体验到的源源不绝的影像洪流。他在作品中倾向于层次交叠与自我复制，而这种自我指涉的概念，与我们今天如何理解自身与世界及影像的关系有着先天性的关联。这次展览正是探讨这一点，并与以此方式沟通的年轻一代观众展开对话。

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