「采访可以推迟 30 分钟开始吗？」米兰艺术杂志《KALEIDOSCOPE》创始人 Alessio Ascari 在接受我们的采访前夕，因为堵车延误了行程，巴黎的交通在时装周期间显得更加拥挤。当时，他正忙于即将开幕的 Manifesto。这是由 KALEIDOSCOPE 和 GOAT 合作举办的年度艺术文化节，本届依旧选址于法国共产党总部大楼，这是一座由巴西传奇建筑师 Oscar Niemeyer 在 60 年代末设计的绝妙建筑。为期三天的 Manifesto，包含论坛、艺术装置、现场表演和时尚展会等多重内容形式，是杂志理念的实体表达，也是每年六月巴黎时装周期间最令人期待的活动之一。

就在来到巴黎前不久，Alessio 刚在米兰时装周期间忙完为 Gucci 策划的「Gucci Horsebit Society」展览，以展代秀，纪念品牌最具代表性的 Horsebit Loafer 马衔扣乐福鞋问世 70 周年。举办地则是其于米兰运营的创意空间 Spazio Maiocchi——由 Slam Jam 和 Carhartt WIP 共同创立，他担任策展人。如今，建立于 2017 年的 Spazio Maiocchi 已成为米兰各界创意人士的聚集地，这要归功于 Alessio 负责策划的一系列文化活动，其中就包括今年 4 月米兰设计周期间举办的 Capsule Plaza——由去年推出的姊妹刊物《Capsule》所衍生出的设计陈列。

出版人、策展人、创意顾问……游走于多重身份的 Alessio Ascari，正如杂志名「Kaleidoscope」，过着如万花筒般的创意人生。与各界艺术家的合作，是他身上最显著的标签，也是他从事这项事业的驱动力。Alessio 通过编织出的蛛网，将全球创意人才串联在一起。此番，Hypebeast 邀请到这位创意多面手，为我们分享他所指导下的杂志、空间、展览、艺术节等一系列创意项目的合作幕后。

HB：最新一期《KALEIDOSCOPE》邀请了三池崇史（Takashi Miike）、King Krule、Popcaan、Jim Shaw 等艺术家创作封面故事，正如以往一样，你们每期都会将如此多的艺术家、创意单位串联起来，产生奇妙的化学反应，所以你们通常会基于什么来挑选客座艺术家？

AA：我们以非常横向的方式探讨视觉文化——正如我们杂志的座右铭，《KALEIDOSCOPE》是一本当代美学年鉴。我们从不区分文化领域，我认为新一期的六套封面正是这一理念的体现。这次有像 King Krule 或 Popcaan 这样的新一代音乐人，分别穿着 Martine Rose 和 Bottega Veneta 的整套造型；也有像三池崇史这样的地下电影圈传奇人物——穿着 Supreme 的整套造型；还有富有远见的洛杉矶艺术家 Jim Shaw——穿着 Brain Dead 的造型。我们还有一个封面故事，深入挖掘了纽约人气古着店 Procell 的档案，展示了由艺廊与博物馆制作的可追溯至 70 年代末的代表性艺术商品，以及与情色摄影师 Richard Kern 的特别合作。所以它是非常横向、混合、多学科的。

HB：最初为什么会选用「KALEIDOSCOPE」这个名字？

AA：我们很喜欢万花筒（Kaleidoscope）这种魔术装置，当你看向里面时，它会带你进入一个不同的维度——在某种程度上有点迷幻。另外，我年少时也非常喜欢 Kelis 的同名专辑《Kaleidoscope》。所以这个故事有很多不同的版本。在出版近 15 年后，现在我们只留一个「K」字母大号 Monogram 在封面上。我认为这是一个很酷的转变，因为平时我们杂志圈里的朋友就一直称其为《K》。

我们的视觉是对极简主义的当代、实验性诠释。

HB：毫无疑问，平面设计是「KALEIDOSCOPE 式美学」最重要也是最标志性的部分，可以分享一下你们的视觉语言是如何形成的吗？

AA：设计确实与编辑、策展工作交织在一起。我们所做的一切都是形式和内容的结合，所以艺术指导就像是层为我们内容量身定制的外衣。我们基本上都是和一家瑞士设计工作室 Kasper-Florio 合作的——他们为杂志《KALEIDOSCOPE》和《Capsule》、我们所有的书籍、米兰的创意空间、巴黎的艺术节进行艺术指导……我们与 Larissa 和 Rosario（Kasper-Florio 创始人）进行全方面的合作，所以这是一个非常适恰的协同作用。我会说，我们的视觉是对极简主义的当代、实验性诠释。整体的基础是非常瑞士、理性的，但中间夹杂着破坏性的因素。

HB：你们在去年推出的新刊《Capsule》为何会采用螺旋装订？

AA：《Capsule》是我们致力于设计圈的姊妹刊物，其背后的理念是采样并转化当下激进设计（Radical Design）的美学。具体来说，我们的主要灵感来自于 70 年代在意大利兴起的设计运动——所有这些传奇人物，如 Ettore Sottsass、Mario Bellini、Superstudio、Archizoom……他们对形状和材料的处理非常有趣，而我们采用不同颜色的塑料螺旋装订，是与杂志作为设计对象的概念紧密相连。

HB：你们举办的 Manifesto 绝对是六月巴黎时装周期间最令人期待的活动之一，本届与以往有何不同？

AA：Manifesto 是我们连续第二年与 GOAT 合作举办的年度艺术文化节。我们再次接管了这座令人难以置信的建筑，这是由巴西传奇建筑师 Oscar Niemeyer 在 60 年代末设计的法国共产党总部。艺术节为期三天，内容包括论坛、艺术装置、现场表演和时尚展会。我们将其视为杂志理念的另一种表达方式，并将其转化为物理空间。今年，我们展出了 Jon Rafman、Anne De Vries 和 Crystallmess 等人的艺术装置。晚上，Kamaal Williams、Hi Tech、Pink Siifu、Poison Anna 等人带来了精彩的音乐表演。在时尚方面，我们与 ERL、Wales Bonner、Ottolinger 和 Sky High Farm Workwear 等令人兴奋的创作者一起合作了特别项目，还在礼品店和 GOAT 官网推出了独家零售商品。所以对我来说，这确实是印刷、线上和现实之间的一个完整的循环时刻。

HB：如今 Manifesto 已走过四个年头，记得你之前提过想要把它带至其他地区，甚至可能是上海，目前仍在推进这个计划吗？

AA：这当然会很有趣，但目前我们最希望在亚洲舞台上展示的项目其实是 Capsule Plaza，这是我们今年在米兰设计周期间推出的设计陈列——集博览会和集体展览于一体，其中包括诸如 Willo Perron、Devon Turnbull、Sabine Marcelis、Daniel Arsham 和 Dozie Kanu 等艺术家。我们还没有一个确切的计划，但已经在行动了。

HB：期待！来聊聊你们最近为 Gucci 策划的秀吧，有什么亮点可以分享一下？

AA：这是一次非常特别的展览，旨在庆祝 Gucci Horsebit Loafer 问世 70 周年，它是品牌最具标志性的单品之一，也可能是有史以来最具标志性的男鞋之一。Gucci 邀请我在 Spazio Maiocchi，也就是我们在米兰运营的空间，策划一场展览，艺术家、设计师和创意人员将受邀通过当代镜头对马衔扣重新诠释和混搭。我们将这个空间改造成一个超现实、身临其境的环境——介于乡村俱乐部、收藏家豪宅和复古未来风迪斯科舞厅之间。每位艺术家都设计了一个独特的房间，我们有瑞士传奇艺术家 Sylvie Fleury 设计的卧室装置，纽约雕塑家 Levi Pitters 设计的用餐空间，以及建筑师 Harry Nuriev 设计的庭院空间等。就像刚刚说的，我们采用了非常广泛的创意手法，其结果自然也是独一无二的。对我个人而言，这是策展人生涯的一座里程碑。

HB：展览期间有何趣事？

AA：它不像传统的展览，而是一种让参观者沉浸其中的体验。因此，在白天，空间被一系列表演所激活，包括卓越的西班牙表演艺术家、编舞家 Candela Capitán 带来的演出，以及由巴黎传奇唱片厂牌 Ed Banger 策划的一系列 DJ 演出。有趣的是，我们正在庆祝马衔扣 70 周年，而 Ed Banger 也在庆祝厂牌成立 20 周年。所以开幕之夜真的很有趣，几乎就像一场联合生日庆祝会。

HB：除了杂志、活动，你们还出版书籍。两年前出版的《Giger Sorayama》令人印象深刻，汇集了两位特立独行的艺术家——缔造「Alien 异形」的瑞士艺术家 H.R. Giger 以及日本插画家、雕塑家空山基（Hajime Sorayama）。在之前我们的交谈中，你提过最近正分别在为这两位艺术家制作新项目，可以分享更多讯息吗？

AA：我担任 H.R. Giger 遗产的特别企划的策展人。几年前，我们开始合作，当时举办了一场展览，将他的作品与洛杉矶艺术家 Sterling Ruby 的作品并置，我知道他是 Giger 的超级粉丝。之后，我们开展了几项活动，你提到的「Giger Sorayama」是一对真正的代表性组合——两位艺术家都以推进未来科幻愿景闻名，但基调截然不同，Giger 更黑暗、狂野 ，而空山基则更加闪亮、性感。这本书是随曾在东京和大阪的 Parco 博物馆以及北京的 UCCA 尤伦斯当代艺术中心举办的展览而生的。我们与东京 Nanzuka 画廊合作开发了这个项目，我现在也正与他们合作编写一本关于空山基的参考专著，这本书将由 Rizzoli New York 出版，并于 2024 年在米兰 Spazio Maiocchi 举办展览。

对我而言，出版是职业生涯的根源。

HB：所以对你本人影响最大的艺术家或文化名人是？

AA：对我而言，出版是职业生涯的根源。所以在成为策展人或创意顾问之前，我一直受到书籍和杂志的启发。我最喜欢的是 70 年代一本名为《Avalanche》的艺术杂志，它报道了当时最具实验性的艺术家，你会在封面上看到 Bruce Nauman 或 Joseph Beuys。当然，我会提到 Andy Warhol 创办的《Interview》杂志——看到一位艺术家以一种近乎艺术的形式创办一本杂志，对我来说非常有趣。我应该还得提到《Playboy 花花公子》，不过我只是「为了阅读文章」才看它（笑）。

HB：Spazio Maiocchi 如今已然成为米兰文化创意界的一大地标，当初是什么契机会与 Slam Jam 和 Carhartt WIP 合作打造这个空间？

AA：对，这两家了不起的公司在五年多前共同创立了 Spazio Maiocchi，翻新了米兰市中心的一座旧工业建筑群，他们从第一天起就让我参与其中，共同策划文化活动，打造空间的视觉形象。这是一次很棒的旅程，现在依旧如此。这个空间的独特之处在于，我们能够将不同创意社区之间联接起来。米兰虽然不是一座大城市，但却是时尚和设计之都，自然也会有不同的群体和创意场景，它们都非常活跃，但不一定有太多交集。我们通过 Spazio 的活动，成功地将艺术界、街头潮人、建筑师和时尚人士聚集在同一屋檐下。因此，Spazio Maiocchi 其实是在打造社区，将这些创意社群聚集在一起。

我们的每个平台都是一个网络，可以与不同的创意人员展开合作。

HB：此前接受我们采访时，你曾提过「Collaboration 合作」是 KALEIDOSCOPE 的核心，那么至今让你最印象深刻的一次合作是？

AA：事实上，我们的每个平台都是一个网络，可以与不同的创意人员展开合作。对我来言，最鼓舞人心的事情就是与艺术家合作——与他们交谈并受其启发。我打心底认为，真正的艺术家都是传递真相的人，他们能够预见未来。通常情况下，如果你观察当代艺术家的作品，你会看到时尚趋势，乃至整个社会的未来。

HB：经常可以看到你与世界各地的创意人士一起工作，目前你们核心团队的构成是？

AA：核心团队位于米兰，但也有来自不同城市的关键人员与我们一起工作——目前仍然是一个 20 人左右的小团队。话虽如此，我认为 KALEIDOSCOPE 和 Capsule 社群不仅仅是指核心团队，还包括了全球各地所有的亲友、贡献者和代理机构，他们以不同的方式支持着我们的工作。可以说，最初走上这条道路正是因为我非常渴望与富有创造力的同行合作，并从他们那里获得灵感。

HB：如今你们已经打造出杂志、空间、艺术节，所以你们的下一步是什么？方便透露你们未来还打算建立什么类型的新平台？

AA：哈哈，你知道我是一个非常喜欢创造的人，总是在寻找下一件事情，但我认为我们会暂时稳定运作一段时间。在接下来的几年里，希望能专注于我们现在所拥有的。因此，我们将回归本源，巩固基础，也许会扩展现有项目的范畴——例如，将 Manifesto 和 Plaza 带至不同城市，开发 Capsule 的服装和家居线。我们希望确保在有机成长，做对自己和我们的社区有意义的事情。