艺术家做时尚、设计师搞艺术是商业套路吗？

作为社会文化的重要符号和载体，时尚和艺术在表达形式上的相互借鉴由来已久，在过去的一个世纪我们不难看到艺术家作品走出画廊出现在时装作品中，亦或是服装设计师透过艺术流派和抽象概念赋予时装更深刻的社会含义。

艺术和时装的融合早已形成了一种新的文化语言。前阵日本设计师高桥盾以艺术创作者身份重新出发，在香港举办首次海外个展；英国艺术家 Samuel Ross 以艺术家的身份进入时尚行业，于近期推出自己第二个服装品牌 SR_A，演绎着工业美学融于街头服饰。

而艺术家的作品从画廊走向秀场、时装行业也不再是新鲜事。作品常年被收藏于各大美术博物馆的 Keith Haring、Andy Warhol 等艺术家也早已 IP 化，艺术家通过时装快速商业化获得了更广的成功。

艺术和时装的双向流动不仅模糊了两者的边界，也重新定义了创作的可能性。两种身份的融合是本职工作的延展，还是商业套路，亦或是新的表达形式？当时装成为艺术的载体，设计师如何平衡小众与大众、功能性与艺术性？

艺术家和设计师身份融合，重新定义自我还是附加价值？

艺术与时尚的边界逐渐消融，重新定义创作的边界。它们作为文化的重要载体，始终在互相借鉴与融合。艺术家通过时装设计将抽象的理念转化为可穿戴的形式，而设计师则从艺术中汲取灵感，赋予时尚更深的文化内涵。

日本传奇设计师川久保玲（Rei Kawakubo）通过艺术表达赋予服装全新的设计语言，并且是业内最早模糊艺术和时装界限的创作者之一。不少川久保玲的作品在跨越时代的语境中，成为了档案馆般的存在。2017 年，川久保玲在美国大都会博物馆展出了从 1997 至 2017 的时装作品，并通过二元论的研究方法呈现她设计的时装是如何跨越时空，不遵循设计理论、成为一种反对被定义的艺术。

川久保玲还认为「时装的本质不是艺术，你可以卖单件艺术品给单个人，但时装是成系列地对社会文化现象进行映照。」在她的作品中，表达社会文化的价值高于艺术品或时装本身的商业价值。

好的艺术和时装作品都离不开创作者和观众的思考，创作者们方法论的交融也是双向流动的必经之路。早在 20 世纪初便有引用不同艺术创作流派来判定不同时装风格的理论，不少时装设计师更是通过服装设计「翻译」艺术理念。Vivienne Westwood 设计中的大胆反叛就有同时期的东伦敦摇滚乐、摄影艺术的影子。而 Vigirl Abloh 生前遗留的「Design Language」更是推翻了时装设计中的固有思路，例如最为经典的「3% 理论」不但将曾经认为难登大雅之堂的街头文化如说唱、滑板、涂鸦走向奢侈品时装之列，颠覆了高级时装行业对于传统流派和设计语言的刻板印象。

我们不能笃定艺术和时尚重新定义了彼此，或谁拥有更高的社会价值，但是两者绝非是单向的输出和影响。在流动的发展历程里，艺术和时装早已有机的成为了一个共生体，那么它们又是如何为彼此附加更深度的社会价值？

艺术家能为时装附加更高社会和商业价值吗？

时装除了是个人风格的代表符号，更是设计师艺术表达的载体。时装设计师和艺术家的共同使命都是将文化符号带入大众的生活，当艺术融入时装，时装艺术化后，我们如何看待这样的符号为行业带来的价值？

艺术家涉足服装行业通常有两个维度——将艺术带入日常生活，亦或是为商业服装赋予更深度的文化价值。草间弥生和村上隆则是艺术家涉足时尚的典型代表，双方皆与 Louis Vuitton 有过长久且影响深远的合作。草间弥生的标志性波点图案不仅为 Louis Vuitton 赋予了新的设计语言，在装置、零售空间设计语言上都给予了现象级的赋能；时隔 20 年后重新复刻合作的村上隆黑白三彩、太阳花系列，不仅再次抬高了艺术家作品的升值空间，同时也成为 Louis Vuitton 重塑品牌在艺术行业地位的一大身份符号。

在更小众的市场，艺术家以时装为载体，在更贴近生活的尺度中全方位地表达自己的艺术理念。日本艺术家 Taiga Takahashi 的遗作从他毕生钻研的考古学视角出发，研究和呈现存在于当下或未来的服装，除了用策展式、考古学的角度呈现作品，他在服装设计的处理中也结合了泥染、石头等自然元素。时装的着用者通过亲身感受艺术家所表达的理念，何其不是赋予了艺术更高的人文价值？

于时装设计师而言，同为艺术家的双重身份也正成为一种颇具热度的趋势。Rick Owens 的服装设计常被业内奉为对艺术的致敬，对现代艺术有着深刻理解的他，每一场秀和成衣相辅的装置、甚至是零售陈列的雕塑都成为了艺术品。先锋、大胆、争议性，或许这些在时装中并不常被接纳的理念，通过艺术化的表达后，让 Rick Owens 身上那具有吸引力的矛盾感成为了消费者为之疯狂的魔力。

艺术在时装行业的成功，不仅提升了品牌的文化价值，还能创造巨大的商业潜力，这一点也是未来设计师和艺术家身份融合的一大启示。

时装艺术化的创新、局限与未来

若时装艺术化将会是这个行业的主流趋势，那么设计师如何在艺术表达和时装的实用性中找到平衡点？功能性和商业化的挑战也将接踵而至，消费者又是否会为艺术溢价买单？

时装设计师的殿堂级别，莫过于完成艺术理念的自我表达同时又能兼具商业上的口碑。Alexander McQueen 和 Martin Margiela 是艺术化时尚的典范。McQueen 的时装秀不仅是服装展示，更是一场场充满戏剧性的艺术表演；Martin Margiela 则善用解构主义设计将服装转化为艺术品，并符号化其设计语言，Tabi Boots、外缝线这些标志性的设计也让 Maison Margiela 在失去 Martin Margiela 后还能坐拥大量市场份额。

但过于艺术化的时装常常难以被大众市场消化，前卫和先锋的设计难于被主流市场买单，从而转向艺术收藏亦或是滞销终于折扣店。未来时装设计师的挑战将出现在平衡个人理念以及市场需求之间。同时，时装的本质是可着用性，而艺术则更注重概念表达，如何在两者之间找到平衡，也会是设计师面临的重要课题。

而艺术与时装的商业成功并非总是双赢。一些时装品牌将大量艺术家作品商业化，以低客单价的方式占据市场，尽管艺术走出画廊更加民主化地走进了大众日常，但也引发了对艺术价值是否被稀释的争议。艺术通过时装变得触手可及的过程中，也需要警惕过度商业化对艺术价值的侵蚀。

同时，未来消费者对于艺术化的时装的符号溢价的买单也将更具个人主义。一件附含艺术价值的时装如何将艺术理念转化为消费者愿意支付的价值？当情绪价值、升值空间、历史社会记忆成为痛点，设计师要考虑的不仅仅是如何符号化艺术，或许还会有更深远的含义。