Studio Visits: Michael Lau 与「MAXX HEADROOM」工作空间
「设计师玩具教父」的艺术之旅。
如果要向打开设计师玩具与收藏品世界的人致谢，那就是 Michael Lau。被称为「设计师玩具教父」的他是搪胶公仔的先驱，Michael Lau 于 1999 年首次亮相并推出了广为人知的「Gardener」系列，系列由 99 个可动玩具组成，其灵感来自周围的街头文化，尤其是当时滑板涂鸦与嘻哈音乐。从那时起，这位香港艺术家便开创了一种全球趋势，随后延伸到东京、巴黎与纽约等城市，这些城市作为大型玩具公司与独立艺术家需要注意的蓝图。
「艺术家」这词让人立即联想到绘画或是雕塑，他开始时就认为玩具的价值被低估了，因此他相信「所有玩具都是艺术品，所有艺术品都是玩具。」多年来除了打造个人作品，Michael Lau 还与各种知名品牌进行合作，例如 PUMA Suede VTG、Nike SB Blazer Low「Salvator Michael」、Carhartt WIP「Gardener」公仔系列、PORTER 80th Anniversary「P8orter Boy」公仔以及 Nike「JUST DONE IT」展览等等。
近年来，Michael Lau 回到了绘画上，将他的 3D 搪胶公仔注入到绘画并伴随著雕塑作品。除了「Gardener」公仔之外，Carhartt WIP 还举办了一场名为「PLAYWORK」的展览，该展览以 33 件作品组成，包含绘画、滑板板身、公仔与 T-Shirt。接著 2018 年，他与 Christie’s 合作打造一场名为「COLLECT THEM ALL！」的展览，其中以 5 个主题展示 50 幅绘画与雕塑，当中涵盖了他所有创意追求并以 Salvator Michael 为亮点。
在通过他 crazymiles 网站发布了与 Stock X 合作打造的独家 Salvator Michael 之后，Michael Lau 在深圳 Artoy Basel Exhibition 与香港 Art Basel 期间推出了一些新作品。现在，这位「设计师玩具教父」携手 Woaw Gallery 呈现他的最新个展「MAXX HEADROOM」回归。
在最新一期 Studio Visits，HYPEBEAST 将与 Michael Lau 进行独家访谈，深入了解设计师玩具的思考基础以及最新个展的进一步探索。
你最近在忙些什么以及是什么让你坚持下去？
我正在 Woaw Gallery 举办名为「MAXX HEADROOM」的展览，已在 9 月 29 日正式展开。除此之外，自从加入 Art Basel 后我画了很多东西，打算采用一些较小的作品为未来的展览准备更大的作品。
你画一幅画通常需要多久时间？
这变化很大因为一切取决于主题，对我来说所有创作都是从一个想法开始，我大部分时间都花在想法上，以清晰的布局进行建构时，绘画的系统流程并没那么复杂。
在成长过程中，最初是什么激发了您对艺术的兴趣？
我会说玩具是我小时候的灵感来源，当对某事物感兴趣时，你很容易受到它的启发。绘画感觉就像我与生俱来那样自然地出现，我没有受到我家人的鼓舞，但他们给予了我很大的成长自由以释放我的潜力。
是什么激发了你开始制作搪胶玩具？
可能因为这就是「男孩事」，我从 Gundam 开始玩模型并在艺术课上进行进一步探索，手工艺品、黏土、肥皂雕塑与剪纸。那时我家人买不起玩具，所有我长大后购买和收集了很多，接著我通过破坏与重组那些收藏来制作小塑像。
谁或什么是你的主要影响？
我想我天生就与艺术无法分离，作为香港在地人，我没到海外学习也没有真正影响我的导师。我们这里也没太多的支持与支援，所以我不得不自己学习和探索。
所以你不从其他艺术家的作品中获得灵感？
我确实会看其他人的作品但我不会把他们作为我的目标，我更喜欢从不同艺术家身上提取不同元素，这与香港很相似，我们「窃取」东西方的文化并将其转换内化成我们自己的。通过「窃取」，我会将不同元素混合再组合到我的作品中。创作总是从汲取其他作品的碎片开始，因为严格来说根本没有原创，我们必须吸收那些部分并将其发展成属于我们自己的东西。
你能带我们了解你的艺术创作过程吗？你是如何开始以及从何开始？
我从主题以及要传达的故事与信息开始，之后我开始发展布局与制作草图同时对它们进行调整。我的工作流程如下：思考、绘画、研究、组织与展示。
你对色彩学和色彩选择有一定方法吗
一切都行，在过去几年里我不断在重建自己，做一些我不喜欢的事情。通过使用新的颜色和绘画方法，我希望创造一些新东西。
在你之前的 HYPEBEAST 短篇纪录片中，你提到 Gardener 公仔是 Barbie Ken 与 G.I. Joe 的结合，你选这些角色作为基础的原因是什么？
早在 1990 与 2000 年代，市场上的 12 英吋公仔并不多，只有 Barbie Ken 与 G.I. Joe。当时我们在没有 3D 列印与镭射切割技术的情况下，利用玩具店中的有限资源创造一些东西，一切都是按照流程所打造。
你的公仔会表现出平静、怀疑或狰狞的神情，背后有什么特殊的原因或意义吗？
只是觉得没有多余的面部表情很酷，酷炫氛围源自街头文化，同时展现年轻一代的性格。那些公仔看起来很凶但内心善良，我觉得鲜明的反差很迷人。在香港，很多人都有了街头文化的品牌，但只是音乐、运动与涂鸦。
为什么你大部分作品都采用木材制作？
木材有种独特温暖，我喜欢独自创作艺术品因此我无法接受太多冷色调，而且它不轻易被弄脏。
至今为此你最喜欢的合作项目是哪个？在这次展览之后，之后还有什么值得我们期待的吗？
我没有最喜欢的合作项目，由于我现在更专注于我作品的传统艺术方面，我做的产品发布相关越来越少。随著我个人的发布越来越少，这就是为什么我最近似乎只是在进行合作项目，但发布的总数与 10 年前相比下降了很多。对于未来的合作计划，我只能透露将有很多项目接踵而来。
我们注意到复古的流行最近又回来了，OG 街头艺术家在流行之下获得了更多瞩目，同为那时代的你，你怎么看？
随著时间流逝，曾经的年轻一代现在有了更多控制权，在那时代长大的人现在已经升到公司的管理职位，然而他们想带回年轻时喜爱的事物，这都是怀旧。
你已经拥有这工作室一段时间了，除了来来去去的作品与工作材料，你是否有想过搬迁？还是这空间就是你所需要的？
带著所有东西搬离太费力了，当然，我想搬到一个天花板更高空间更大的工作室，但在没有紧急需求与额外费用的情况下花费那么多钱并不值得。
在工作室中你是否遵循特定的工作流程顺序？假设你从一个区域移动到另一个区域以进行特定工作，或是都自由不限制？
有个布局区域是这张中心桌子，可以吸收大部分创作能量，接著我走进办公室用电脑做设计，外面是画画的地方，洗手间是另一个思考的好地方。
你是否在大型艺术品或较小型艺术品中寻获更多乐趣？底座的大小是否影响您展示作品的方式？
做了大型艺术品后无法倒退，它们很难制作但确实带来了更大的冲击力。一旦适应了较大的画作，它们就会带来乐趣、自由和一种无法与小画作相比的成就感，感觉自己就像 Picasso 那样完成巨额委托的伟人之一。话虽如此，我也画了一些小幅作品，由于空间可能是个问题因此家中很难展示大型艺术品，因此我希望一些年轻收藏家可以轻松地从我这购买小型艺术品，因为先前的作品都相当昂贵。
为什么 Salvator Michael 总是拿著一颗球？这有什么象征意义吗？
Salvator Michael 是模仿 Da Vinci《Salvator Mundi》的姿势，当我与 Christie’s 合作时，我将自己重新想像成《Salvator Mundi》但手拿的是胶囊玩具而不是水晶球来象征幸运，而手指交叉则为收藏者带来幸运与机遇。此外，我是玩具界的 Salvator（救世主）。
在早期的「Gardener」系列中，你以你的朋友作为基础，你是否仍然从你周遭的人汲取灵感？
我有少许的艺术作品是根据我朋友所创作，那时很方便因为我每天就像家人一样和我朋友相处，我会从他们那获得灵感。我想这就是创作的开始，你根据你所处的社群创造一些像哆啦A梦那样不同脸孔的东西，随著年齡增长朋友也越来越少，因为他们有了自己的家庭与不同的观点。我已经开始创作受有影响力的人和其他艺术家启发的玩具，在洛杉矶的展览中我就根据了 Obama 创作了一个玩具，对于不同的展览，我会根据地点创作不同的角色。
你有没有经历过创意灵感障碍？如果有的话，你如何突破？
我不认为那算是个障碍，只有因为还没找到出路。边进行边思考，想法总是会在截止日前出现，不要感到无意义的担忧，保持积极的态度想法就会出现。
是否能详细介绍你最新的展览「MAXX HEADROOM」？
「MAXX HEADROOM」围绕著 Maxx 的旅途展开，Maxx 是原始「Gardener」系列中的一个角色。在本次展览中，你可以看见根据 Maxx 不同时期所拍摄的照片、素描、漫画系列、与 LMF 的合作专辑封面、在地嘻哈乐队、首个「Gardener」标志以及展览的草图，这些元素在街头文化中非常重要，你还可以看见 1999 年的「爆头」小塑像，是与 Terry Richardson 从 2010 的的合作以及在 Time Square 展览曾经出现，该角色为大众改造成幼儿形象，最新的展览将专注展示原始「Gardener」系列前 10 年的艺术品。
展出的画作与你之前的展品相比似乎有所不同，这是否有什么原因？
随著我的成长，我想用新的想法来改变它，因为我不习惯一遍一遍地重复一样的事情。这就是为什么我创作了「Crazychildren」与「Mr. Shoe」，尽管「Gardener」是个多么巨大的成功。尝试新事物有好也有坏，因为在那么多角色之下人们将会不知道你最具标志性的系列是什么，但这就是我所享受的。我一直在缩小系列的范围，以便给观者留下更深刻的印象。
是什么契机让你只想绘画？
我仍然有为这展览创作雕塑，「MAXX HEADROOM」这名字来自 Maxx 的头部，因此展中只出现头部作品，其中有著不同大小尺寸以适应画廊的限制，当中也会展出 1999 年的原始 12 英吋公仔。
在过去几年里，你主要发布了许多合作与商业作品，本次展览安排在这时间点有什么特别原因吗？
我们已经推迟了很多展览，因为我需要更多时间准备 Art Basel。首次参与 Art Basel 之后，我对这展览颇有感触因为我感觉我被艺术市场接受了。9 月 29 日是本次展览展开的最佳时机，因为它标示著 1999 年 9 月 29 日在 Art Centre 举办的原始「Gardener」展览的第 22 周年。此外，滑板运动在 2020 东京奥运成功登场，因此现在是推广街头文化的绝好时机。
由于玩具媒介是许多人认识你的主要原因，你如何决定绘画与雕塑作品的组合？
我只是随波逐流，由于这次展览都是关于 Maxx，所以有更多关于他的小塑像。头部是识别人物最重要的部分，所以大部分雕塑都是专注在头部。
这时候香港已有许多艺廊都非常熟悉你的作品，这次为什么选择与 Woaw 合作？以及合作的契机是如何产生？
我认识 Kevin Poon 已有 20 多年加上我非常注重人际关系，他与他的团队共同经营 CLOT 和 JUICE 已有一段时间。在香港并没有太多很棒的艺廊，他们要嘛太国际化不邀请本地艺术家，要嘛就是太传统。Woaw 是一家以现代方式展示艺术品的专业艺廊，同时还进行国际运营。
随著年齡增长，像 Maxx 这样的角色是否会产生变化？或者他们对你来说有点像时间胶囊？
Maxx 确实从一个看起来凶猛的年轻人转变成一个有态度的沉稳成年人，当我在「MAXX HEADROOM」重新创造原始 Maxx 时，这展览可视为角色的 Archive。在与 Carhartt WIP 的展览中，我还将 Maxx 塑造成一个 33 岁留著小胡子的画家，而同时另一个 Maxx 则以老人绘画的形式展示。
WOAW Gallery “MAXX HEADROOM”
9 Queen’s Road, Central
Hong Kong
9 月 29 日 – 10 月 23 日
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