Constance Chan
My Playground

熟悉，是因为她的声音与身影，早已悄悄地穿插在父亲陈奕迅的音乐作品之中——从《Life Continues…》EP 封面上的婴孩模样，到为《Baby Song》弹奏钢琴，再到为《盲婚哑嫁》献上和声。陌生，则是因为此刻，20 岁的她选择以独立创作人的身份，带着一首充满个人挣扎的英文单曲《doll》，正式走到台前。

她的登场，并非进入一个早已设定好游戏规则的竞技场，而是希望亲手建立一个属于自己的创作游乐场，在这里，她不受外界期望的束缚，以最真诚的方式，制定属于自己的规则。而〈doll〉这首充满力量的作品，正是她为这个游乐场，拉开的第一道序幕。

今天，我们与 Constance 对话，探索的也不仅仅是音乐。我们试图理解，一位在香港长大的 Gen Z 创作人，如何在音乐、情感与视觉之间，建立属于自己的世界；她如何将个人最深层的情感转化为能够与整个世代共鸣的创作能量；以及她将如何用她的作品，为当下的香港乐坛，带来一种全新的可能性。

为捕捉她最真实的成长痕迹，本次 Hypebeast 封面故事由传奇摄影师夏永康（Wing Shya）掌镜，并特意选址于她度过十年校园生活的佐敦街头，在这片充满人间烟火的街区，寻找她成长的座标。在镜头前后，我们与 Constance 深入交谈，而她内在的温柔与坚定，也成为了我们理解整个故事的起点，了解这位 20 岁唱作人最真实的轮廓。

对于一位新人，出道作品的选择至关重要，它定义了公众的第一印象，也奠定了艺术家与世界沟通的基调。Constance 的选择，无疑是充满勇气且极具态度。她的首支单曲《doll》，一首主题围绕「情感操控」的全英文作品，没有选择甜美的糖衣，而是直接展现了她内心的锋利与脆弱。

《doll》的起点，是一段发生在自己身上，关于被利用的真实故事。Constance 坦率地分享：「那件事触发了我很多情绪，那份情感的冲击让我决意完成这首作品。它既是介绍我自己的一种方式，也因为我相信很多人都经历过类似的心痛，希望能和他们产生共鸣。」在这段关于成长的苦涩经历中，她找到了「洋娃娃」这个核心比喻，用以描绘那种失去自主、任人摆布的感受。

但 Constance 并不满足于仅仅书写一首悲伤的情歌，她拒绝扮演一个被动的悲剧主角，而是选择将痛苦转化为力量。「现在有很多关于心碎的歌，通常都比较悲伤和情绪化。」她敏锐地指出：「但很少有作品，是用愤怒的感觉去诠释心碎。我希望自己出场的方式可以更具冲击力，更有棱角，用更强烈的、甚至带点摇滚的态度去讲述这个故事。」

这种选择的背后，不仅仅是情感的抒发，更是一种独立自主的宣言。Constance 没有选择最安全的商业路径，而是以一首全英文、主题阴暗、风格独立的《doll》作为开场白，这本身就展现了新世代创作人的勇气。她不愿依循过往新人既定的发展框架，更拒绝像歌词中的洋娃娃一样被外界操控——正如结尾那句「Mr. Puppeteer, see you never, never more.」所唱，她要用自己的方式，去赢得尊重。

从 Demo 到成品，这首歌的蜕变也充满惊喜。Constance 最初的构想，是一首类似 Lana Del Rey 风格的复古悲歌。然而，与好友兼制作人 Ernest Choi 的碰撞，彻底改变了这个方向。「那次和他 Jam，他弹出一段比较轻快的 Groove，新的灵感就突然涌现了。」原本简洁的 Acoustic 构想，最终加入了 Daft Punk 式的电子元素与 70、80 年代的复古声音，形成了现在这个充满张力的版本。

视觉上，由好友、时尚摄影师吕末（Mo Lyu）执导的 MV，则将这种「被操控」的内心感受转化成精准的视觉画面。「我最初的想法很直接，因为歌名叫〈doll〉，我就幻想自己像是被人困在一个空间里，甚至像在一个监狱里的感觉。导演听了之后，很快就构思出一个故事桥段，设想自己被困在一个孤独的房间里，被人一路监看著。」MV 的场景转换与充满窥视感的镜头，成功地将歌词中那种无处可逃的窒息感，转化为强烈的视觉符号，让整个故事更具张力。

一位创作者的风格，往往是其成长背景、审美偏好与生活经历的总和。要理解 Constance 的音乐世界，我们必须深入解构她的「创作 DNA」，了解她如何折射出横跨不同年代、国界和语言的多元文化色彩。

谈到对她影响至深的音乐座标，Constance 的答案清晰而明确：Lana Del Rey 与 Billie Eilish。在她看来，Lana Del Rey 的音乐构筑了一个充满电影感与复古情怀的世界；而 Billie Eilish 则以一种全新的声音美学，彻底启发了她。「Billie 的演绎方法非常吸引我，」 她解释道，「她理解音乐的方式，未必是那种很用力嘶吼的类型，而是非常巧妙、细致地去处理每一首歌。那种发自内心的感觉，最能触动到我。」她尤其欣赏 Billie 融合新旧的能力：「她能在像 The Carpenters 这种复古影响上，加入自己现代的变奏，比如摇滚或电子元素。这种创作方式，正正就是我最喜欢的东西。」

Constance 的出现，并非一个孤立的个案，而是香港乐坛一股不可逆转的新浪潮中的重要一员。放眼当下，从 Gareth.T 将 R&B 与 Hip-Hop 玩味结合，到 Tyson Yoshi 以极具冲击力的舞台魅力引领风潮，再到不同独立音乐人的百花齐放——我们正在见证一个全新的音乐生态系统的形成。这批新世代音乐人，正在用各自的方式，共同书写著 Cantopop 的新版图。

「我的目标，是成为一个多元且全面的音乐人，不想被任何一种曲风所定义。」这份对「无法定义」的追求，贯穿了她的创作思路，也源于她极其多元的音乐启蒙。家庭成为了她最早的音乐资料库，「家人给了我很大的启发，他们会经常让我听很多不同类型的音乐，有 Linkin Park、The Beatles、Amy Winehouse、Crystal Castles、Mika……」这个横跨摇滚、独立和灵魂乐的歌单，为她打下了极其开阔的音乐基础。「也是因为从小家人看到我好像对音乐有点兴趣，那个时候让我去学钢琴、学唱歌和学芭蕾舞了。」

这股浪潮的共同特质，是显而易见的：他们是网路时代的原住民，深受全球流行文化的滋养，作品中不再有明确的曲风疆界；他们拥有极强的独立创作能力与自主意识，从音乐制作到视觉设计都深度参与；最核心的是，他们的作品都植根于极度个人化的真实表达，不再是传统工业流水线上被精心计算的产物。

在创作习惯上，她极具 Gen Z 的特色——凭直觉即兴而行，习惯将生活瞬间的情绪碎片，用手机录下，再与制作人朋友 Ernest Choi 和 Eason Chan 一起分享，将其零碎的火花，发展成完整的作品。「我平时的创作习惯，很多时候都是在房间里，当情绪涌现时，我就会立刻拿起手机即兴录下一些 Demo。」她生动地描述与好友的合作过程，「然后，我会立刻找我的朋友 Ernest 或 Eason，他们很了解我的音乐品味，然后他们就会开始制作一些 Beat，接著我们就一起研究、一起写歌，整个过程并无既定流程，就像是顺著一股突如其来的情绪而流动。」在她的游乐场里，没有既定的公式，只有纯粹的创作欲望和对音乐的自由探索。

她的灵感来源相对纯粹，主要聚焦于听觉与视觉的直接冲击。「我的灵感来源其实很直接，相较于电影和书籍，我更多是从音乐或 MV 中获得启发。」她举例道：「例如 Gracie Abrams 的 MV〈Mess It Up〉，整个影片其实只是一个女孩不断尝试制作蛋糕，却每一次都失败掉到地上的过程。那个画面很能反映我当时想写的一种感觉——那种『不断在原地兜圈，好像一直都失败』的无力感。一个单纯的视觉刺激，都能触发自己很多不同的想法和概念。」

这种没有公式、由纯粹探索驱动的创作模式，确立了 Constance 的独特座标。创作风格更靠拢另类流行（Alternative Pop），情感表达也因此更为内省和细腻。