Fraser Cooke：街头文化将用所处时代的语言和工具一直延续下去

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在联名企划不断涌现的当下，越来越多品牌之间开始合作，大家对于联名企划也开始司空见惯。当你寻找「联名」的起源时，会发现它开始于街头服饰领域。那么街头文化是如何诞生，并在几十年的时间里拥有如此巨大影响力的呢？

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从 Hip-Hop 及滑板文化起源，逐渐包容更多内容并走向世界，街头文化从诞生至今已走过几十年。近日，在北京 SKP-S 的《Style In Revolt 潮流，源自颠覆》国际潮流文化展，会让你更直观地了解这一发展历程。作为商业与文化的结合空间，SKP-S 同时还致力于推动街头文化的发展。在 SKP-S 的四层，拥有占地面积达 4000 平米的 T-10 文化艺术空间，用前卫的装置和一件件展品，探索着文化、艺术和未来科技。这也成为本次《Style In Revolt 潮流，源自颠覆》国际潮流文化展选址这里的原因。Fraser Cooke 与 Paul Mittleman 联袂策划了这次展出，讲述了街头服饰和文化从伦敦、纽约、东京的街头逐步走向世界、风靡全球的故事。

在如此重磅的展览幕后，策展团队功不可没，此番 HYPEBEAST 也邀请到本次展览策展人之一的Fraser Cooke。从创办 The Hideout 和 Footpatrol，到加入 Nike 成为「联名之王」，他的个人经历与潮流文化的发展密不可分，因此在参观展览之前，让我们先与他聊聊这次展览的背后故事以及他对于当下街头服饰与文化的看法…

对话 Fraser Cooke

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HB：您在创立 The Hideout 初期，与许多原宿品牌联系紧密，而在展览「THE GENESIS」部分的结尾也有原宿主题区，所以您认为当下的原宿风格对于街头文化意味着什么？

Fraser Cooke：说到创办 The Hideout 时期，我确实和许多原宿品牌联系紧密。在创办品牌之前，我的搭档 Michael Kopelman 就已经和藤原浩、Nigo 等人一起工作了。因为从日本进口原宿品牌的运费和关税过于昂贵，刚开始我们只在店里贩卖美国品牌，但是我一直想和原宿品牌有更多联系。在 90 年代末，我开始去日本为 The Hideout 选购货品，第一次去日本时我和 Nigo、A Bathing Ape®团队、Futura 度过了一段时间，并为高桥盾和他的 UNDERCOVER 做了一个秀场。这些事情让我真正地把原宿品牌从日本带到英国，并且 The Hideout 的 Logo 也是 SK8THING 设计的。

我不知道现在的原宿风格代表什么，但无论是在日本国内还是国外，原宿品牌的影响确实是普遍存在的。在日本，依然有许多品牌保持这种精神，像是 Wacko Maria，他们可能不以原宿为基础，但依然在努力从历史悠久的文化和服饰中找寻灵感。

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HB：在保持品牌调性的同时，怎样一直保持创新？这种团队氛围是怎样形成的？

Fraser Cooke：毫无疑问，我们所说的街头文化可能来自以音乐和滑板为背景的青年群体，而Stüssy 最开始的运作模式就吸引了这些群体。后来原宿品牌看到了这些，他们把世界上其他地方发生的事情，以一种新颖有趣的方式重新包装成「日本风味」。所以，我认为原宿品牌的经营方式和思考方式，包括限量产品的推出等，总能把与品牌志同道合的人联系在一起。这样的一种模式产生了巨大的影响。

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HB：经过「The Boom」部分的发展，在不同行业先锋的带领下，当下的街头文化变得更加多元，相较于您刚接触街头文化的时期，现在这一领域的年轻人有何不同？

Fraser Cooke：在我年轻时候，我们都是从嘻哈音乐开始接触街头文化，滑板也是在那个时候开始繁荣。当时没有互联网，我们必须走出去与人多交流，由此在得知更小范围的信息，比如伦敦和曼彻斯特的街头文化会有一些不同，它们又都和纽约不同。现在，主要的区别是互联网缩短了世界的距离，它是一把双刃剑。它的优势在于，你可以非常迅速地分享想法，劣势在于你没有那么多时间独立思考，发现属于自己的独特想法，很多东西都是在互相参考中诞生。当时的街头文化是非常非主流，是一种反对高级时装的方式。但现在它已经上升到了一种主流，有更多的爱好者。这次展览的目的之一就是从根源找寻它是如何成为一个世界性的现象。所以我认为过去和现在的街头文化在传播方式上有很大改变。

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HB：在疫情的大环境下，筹备如此大型的展览相当不容易，在这期间你们的策展团队遇到过什么困难？

Fraser Cooke：是的，整个过程非常困难。因为这个展览中需要探讨许多关于不同展区的想法，要挖掘其中的内容时，我们要与各方各面的人产生联系。我们很想和大家坐下来，在同一空间中谈论事情，但是受疫情影响，无法实现。因此所有事情都必须通过网络来完成，一切都需要更长的时间，因此沟通能力和时间变得很有挑战性。而且在参展的品牌中，一些品牌知道谁是 SKP，知道这是一家在中国地区非常优秀的商场。但也有一部分品牌无法理解，我们需要花更多时间让他们知道这不只是一个简单的零售空间，更是一个将文化及商业融合的综合体。或许在没有疫情的时候，我们可以用一周解决这些事情，但是现在需要三个月。好在我们完成了这个惊人的成就，我对展览非常满意。

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HB：从进入 Nike 开始，您就为一个「推动者」的角色，让不同文化、艺术领域的优秀创作者联系起来。在您看来，跨界联名和不同文化的融合是如何推动当下街头文化发展的？

Fraser Cooke：我从 80 年代中后期就开始在这个领域工作了。我认为 Nike的伟大之处在于，它的规模可以把属于它的东西带给更多的人。我认为，有诚意的合作能促进街头文化的发展。如果拥有不同天赋的创作者达成合作，合作中增加一些东西就会让这件事情变得不同。但是那些只是为了「酷」或者为了迎合当下人喜好而做的东西，很快就会被遗忘。例如 Virgil，我认为他和 Nike 创作的 The Ten 系列都是经典。Virgil 从他的角度出发，所做的是完全新鲜的东西。因此，他给了一些东西更多的生命，给予它们多维度的视角。所以对我来说，这就是合作的目的，以实现双方在没有另一方的情况下无法做到的事情，用老话说就是「1+1=3」。

HB：当下「元宇宙」概念异常火热，球鞋、服饰等街头文化的载体都开始「虚拟」化，这一现象是否会对街头文化产生冲击？一切都虚拟化后，街头文化应该以怎样的方式存在？

Fraser Cooke：我敢肯定，越来越多东西会虚拟化。事实上我喜欢这个虚拟化的过程，它似乎预测未来发生的事情。虚拟世界带给我们很多新的东西，但我还是希望人们能再次出去旅行，出去走走并获得更多线下会面的机会，我认为人们仍然喜欢真实的见面。新的品牌在以新的模式做事的同时，也会遵循以前的一些模式。虚拟化带来了多样化，虚拟与现实的界限也会模糊。但是它不会制约街头文化的存在，街头文化已经存在了 40 多年，现在的孩子们与五六十年代的孩子做的事情没什么不同，只是换了一个表达形式。

所以只要年轻人想表达自己，他们就会在所处的时代背景下找到合适的方式。我不相信所有东西都是由上而下创造，至少在街头文化领域，很大程度上是自下而上创造的，有话语权的人会接受街头年轻人创造的东西。因此街头文化将用所处时代的语言和工具一直继续下去。

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在 Fraser Cooke 的视角中，街头文化发展至今经历过各种形式的变化，它不会消失，并且会以符合时代的表达形式陪伴年轻人。回到《Style In Revolt潮流，源自颠覆》现场，从「初露锋芒」到「蓬勃发展」再到「时至今日」，展览的意义在于让更多热爱街头文化的年轻人了解这个群体一路走来的故事，由此引发对于它未来无限可能的思考。

从初露锋芒到风靡全球

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在与 Fraser Cooke 对话之后，让我们再次走入展馆，探索街头文化的起源。整个展览以 The Genesis「初露锋芒」展区开始，这个区域通过八个场景展示了从 1982 年到 2005 年街头文化中音乐、艺术、和时尚的融合与变迁。

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这八个场景中，在「Duck Rock」主题区，通过 1982 年 Malcolm McLaren 发布的专辑《Duck Rock》，诉说这张专辑和街头文化在包容性上的相同之处，大而广地涵盖世界任何地区的文化类型；在涂鸦主题区，用摄影师 Jamal Shabazz 和 Marths Cooper 的作品，让观众身临其境地透过作品感受到涂鸦给予街头的自由感；滑板主题区，通过众多珍藏展品，让观众了解多位代表性板仔的精彩故事；艺术主题区则直观地表现 Keith Haring 等人的艺术形式，以及其对于街头文化的深远影响；嘻哈主题区会现场播放 Beastie Boys 的代表专辑，并用 Dapper Dan 等人的摄影作品，让观众直观感受嘻哈文化发展过程中的变化；媒体主题区由多本《THE FACE》杂志封面环绕房间组成而成，这个「改变文化」的杂志在停刊后变成了博物馆展览的常客；原宿区由杂志《Last Orgy》和众多日本品牌产品组成，观众甚至可以阅读藤原浩在原宿留下的语录；最后一部分是 Stüssy 的特别展览区，陈列着历年发售的 50 多件不同类型经典款式。